Zona de arte

ARTE, CREATIVIDAD Y EXPRESIÓN EN BAUM FEST

El arte vuelve a ocupar un espacio protagonista en BAUM Fest.
La Zona de Arte reúne a artistas de diferentes disciplinas y lenguajes creativos en un espacio dedicado a descubrir nuevas miradas, técnicas y formas de entender la creación.
Pintura, dibujo, obra gráfica y diferentes expresiones artísticas conviven en una zona donde el público podrá acercarse al trabajo de los artistas, conocer sus obras y descubrir todo lo que ocurre detrás de cada creación.
Un espacio para mirar, descubrir y dejarse sorprender.

LOS ARTISTAS DE LA ZONA DE ARTE

JUDITH GARCIA MASIP

La obra de Judith Garcia Masip parte de una sensibilidad profundamente ligada a la figura y a la construcción de la imagen. En su trabajo sobre lienzo encontramos una mirada que concede importancia tanto al personaje como a la atmósfera que lo rodea.

Su pintura no busca únicamente reproducir una imagen: trabaja la presencia, la expresión y aquello que permanece cuando desaparece lo anecdótico. La figura se convierte así en un
territorio donde explorar identidad, emoción y percepción.

En BAUM Fest, Judith presenta una faceta de su universo creativo en la que el lienzo se
convierte en un espacio de investigación y libertad.

ALBERT BONET

Hay algo incómodo en la pintura de Albert Bonet, y precisamente ahí reside buena parte de su interés.

Su realismo no pretende ser una ventana neutra hacia la realidad. Bonet utiliza la precisión pictórica para introducir al espectador en escenas reconocibles que, poco a poco, comienzan a resultar extrañas. Objetos cotidianos, personajes, referencias populares y
situaciones aparentemente banales adquieren una segunda lectura.

El resultado es una pintura de fuerte carga narrativa en la que el virtuosismo técnico nunca funciona como simple demostración. El óleo se convierte en una herramienta para hablar de una realidad que el artista observa desde una posición crítica.

Su imaginario bebe del pop, el punk, el rap y la cultura contemporánea, pero también de la tradición figurativa. Una combinación que le permite construir imágenes hiperrealistas que,
lejos de limitarse a representar, interrogan.

NORA BELVEI

La pintura de Nora Belvei se mueve en un territorio incómodo: ese lugar entre el sueño y la pesadilla en el que las imágenes parecen contener una historia que nunca termina de explicarse.

Su protagonista habitual es la figura humana. Cuerpos y rostros aparecen envueltos en
sombras, aislados en escenarios donde la ausencia de información obliga al espectador a completar aquello que falta.

Hay algo cinematográfico en su manera de construir las escenas. Sus pinturas parecen
fotogramas detenidos de una narración que acaba de ocurrir o está a punto de comenzar.
La precisión de las figuras contrasta con una atmósfera inquietante que deja espacio para la imaginación.

Pero la oscuridad de Nora no es únicamente estética. Su pintura nace también de una
exploración íntima de los miedos, los defectos y las emociones difíciles de verbalizar. El lienzo se convierte, de este modo, en un lugar donde transformar aquello que duele en imagen.

HASU · ALBERTO CASTAÑEDA

En la obra de Hasu (Alberto Castañeda) la pintura recupera algo esencial: el valor de la pincelada.

Su aproximación al Sumi-e, tradición pictórica japonesa basada en la tinta y en una economía extrema de medios, se construye desde el contraste. Negro y vacío. Presencia y ausencia. Control y espontaneidad.

Lejos de entender el espacio vacío como algo que falta, Hasu lo convierte en parte activa de la composición. Cada gesto del pincel tiene peso y cada mancha de tinta participa en la construcción de la imagen.

Existe además una dimensión casi meditativa en su trabajo. La sencillez aparente de sus obras esconde un ejercicio de concentración y precisión en el que el gesto pictórico adquiere tanto protagonismo como aquello que representa.

Su trayectoria parte del dibujo y el realismo y evoluciona hacia un lenguaje profundamente vinculado al Sumi-e, la escultura y el arte de inspiración zen.

HÉCTOR LUIS RODRÍGUEZ

La trayectoria de Héctor Luis Rodríguez nace de una relación temprana y casi instintiva con el dibujo.

Su recorrido artístico está marcado por la experimentación y por una aproximación a la pintura que no parece buscar una única respuesta formal. El dibujo, el mural y la pintura forman parte de un mismo recorrido creativo en el que la imagen funciona como herramienta para comprender y transformar aquello que le rodea.

Hay también una dimensión autobiográfica en su trayectoria. Sus primeros dibujos, los murales realizados durante su juventud y las distintas etapas de formación y búsqueda personal forman parte de un recorrido artístico desarrollado al margen de caminos especialmente previsibles.

Su obra conserva esa condición de búsqueda: una pintura entendida como proceso y como forma de expresión antes que como fórmula cerrada.

ROSTRO · LUIS VALSECA

Bajo el nombre de Rostro, Luis Valseca desarrolla un universo visual reconocible que se extiende desde la obra gráfica hasta la imagen artística.

Su trabajo parte de una estética marcada por la figura, el contraste y una cierta tensión entre lo humano y lo simbólico. Sus imágenes no parecen concebidas únicamente para ser contempladas: tienen algo de relato, de personaje y de mundo propio.

En su producción gráfica aparecen diferentes series y universos visuales (entre ellos Hikari Looking for the Fishermen, 1976, WildT o Miseri Cordia) que muestran una voluntad de construir una identidad artística más allá de una única técnica.

RAUL LEONE

La obra de Raul Leone nace de una relación directa con la figuración y con el dibujo, pero encuentra en el lienzo un territorio distinto al de la piel.

Su pintura se mueve alrededor de la construcción de imágenes cargadas de personalidad, donde el dibujo tiene un papel estructural y la figura funciona como principal vehículo narrativo.

Más que buscar una separación radical entre arte y cultura visual contemporánea, Leone trabaja precisamente en ese espacio de encuentro: referencias reconocibles, composición gráfica y una mirada personal que transforma la imagen en obra.

En la Zona de Arte de BAUM Fest podremos descubrir esta faceta de su trabajo y acercarnos a una producción concebida desde la libertad que permite el lienzo.

IAN RODU

La obra de Ian Rodu parte del cuerpo como territorio de exploración. No entendido únicamente como representación, sino como materia, presencia, identidad y espacio de relación con el otro.

Hay una constante especialmente significativa en su trabajo: la relación entre obra y espectador. En Con-tacto, una escultura de madera de pino de 2025, el público no está concebido como un observador pasivo. La pieza propone tocar, intervenir y dejar una huella mediante un juego entre los dedos de la escultura, la mano del visitante, el carbón y el papel. La obra deja así de ser un objeto cerrado para convertirse en una acción compartida.

En sus esculturas encontramos además una investigación sobre la identidad y la corporalidad. Des-subjetivización (Contra-retrato) y El espacio de un cuerpo plantean el cuerpo desde perspectivas que se alejan del retrato convencional y lo convierten en un espacio de reflexión.
La exposición se completa con obras como Pusilánime, Sense Sexe, Toca’m, Maricón quien lo lea y Maricas, guarras y maleantes, piezas que amplían el recorrido hacia cuestiones relacionadas con la identidad, el género, la mirada y la construcción social del cuerpo.
En conjunto, la propuesta de Ian Rodríguez Duarte no busca ofrecer una sucesión de objetos para contemplar. Construye un espacio de tensión entre materia y cuerpo, entre identidad y mirada, entre obra y espectador.

Una exposición que invita a mirar, pero también a acercarse, tocar y participar.

¿ERES ARTISTA Y QUIERES PARTICIPAR?

Si tu lenguaje es el lienzo, la pintura, el dibujo o cualquier otra forma de
expresión artística, esta es tu oportunidad de formar parte de la Zona de Arte de
BAUM Fest.